金像访谈 | 林铭述：建筑摄影是凝动音乐的演奏

范孜恒：您的父亲林乐义是一名建筑学家，曾设计过北京电报大楼、国际饭店、首都剧场等知名建筑。您在建筑摄影领域钻研颇深，除了受您父亲职业的影响外，还有哪些因素让您如此钟爱建筑摄影？

林铭述：父亲对我的影响是融入血液的。很多人问我，你为什么不学建筑，而去学音乐？其实在我小的时候，印象最深的是父亲播放的音乐，他是古典音乐的爱好者和收藏者。后来大量的唱片和音响也成为我的爱好，我一张一张地按顺序听唱片，这为我打下了坚实的音乐基础。父亲常常带我去听音乐会，去首都剧场听中央乐团的星期音乐会，20年后我也如愿进入中央乐团，和曾经仰慕的老师坐在一起演出真的很神奇。父亲在设计建筑的时候总是要放音乐，我看不到他的图纸，却能听到美妙的音乐。在这样的环境中耳濡目染，后来我考入中央音乐学院附中并非偶然。1958年，我父亲从国外回来又带回了新的唱片，让我印象深刻的是一个清晨，父亲播放柴可夫斯基第一钢琴协奏曲，前奏号角和从窗口投射进来的阳光同时出现，那感觉真是妙不可言。

后来，我从音乐转入建筑领域工作，有机会参加“建筑教父”柯布西埃（Le Corbusier）的欧洲建筑之旅，在欧洲十几个国家进行了建筑考察，看到了从古希腊古罗马的建筑到新的现代建筑。有一次在西班牙毕尔巴鄂，我看到了加拿大建筑师弗兰克·盖里设计的古根海姆博物馆，大为震撼。那是个解构主义的作品，具有非凡的音乐性，引起了我对建筑摄影的兴趣。从此，我开始逐步着手建筑摄影方面的商业拍摄，并且获得了业内的认可。

国家大剧院。捕捉阴云中透射的阳光，金色大殿在乌云衬托下呈现戏剧性。

国家大剧院楼梯。几何图形和色彩的交织。

范孜恒：音乐专业的教育背景在您的摄影道路上产生了哪些有益影响？

林铭述：在我看来，音乐和建筑是两门最接近的艺术，固有“建筑是凝固的音乐”的美学观念。当把音乐在瞬间停顿形成固化空间时，会看到它的结构比例和均衡与建筑十分相近，具有一种和谐美，所以一些音乐元素也自然地会渗透在摄影之中。音乐有一种唤醒创作灵感的力量，能迅速把人带入艺术境界，如节奏感、旋律感和均衡感会自然地流露在创作者的画面之中。

然而，音乐和建筑两者的关系用形而上学的方式形容比较好理解，如何用形而下的方式来诠释则是个难题。2012年，我写的《摄影的跨越》一书出版，较为详细地论述了音乐和影像之间的关系。2017年，我创立的“音乐影像学”在北京国际摄影周进行了立项。如今已经有很多人开始学习音乐影像，把摄影和音乐二者融合并取得了不错的成绩。

哈尔滨歌剧院夜景。雨后形成的上下对称式构图，宁静而优雅。

廊坊大剧院大厅。旋律线条和节奏的韵律。

范孜恒：很多人在拍摄城市的地标建筑时，机位往往比较雷同，这也造成了照片同质化的问题。正如现在互联网上流行的“网红机位”，只要在这个机位上就能拍出类似画面。在这种情况下，您如何保持照片的个性？

林铭述：摄影的同质化会出现大量的糖水片，为了摆脱这种千篇一律的模仿方式，我创立了“四全拍摄法”，目的就是为了拍摄与众不同的、具有个性化的摄影作品。“四全拍摄法”从器材、构图、光影的运用到后期制作都力图创新，打破一些固有的观念和方式。比如在镜头的使用上要求全焦距的方式，从10mm到600mm的焦距内进行拍摄，并不是一种题材只用一种焦距去拍摄。用一个新焦距拍摄可以发现一个新世界，比如，过去我经常使用广角镜头或标准镜头拍摄建筑，而现在却大量使用长焦镜头去拍摄，这就开拓了我的创作思路。

对于网红点和被命名的位置，我建议要尽量避开，寻找新机位和新角度，并且试用不同的焦距来拍摄。“四全拍摄法”的核心就是要与众不同，突破原来的拍摄手法和观念。由于在十几年的商业定制拍摄中，我时常需要在没有恰到正好的光影条件下，设法拍出较好的照片，比如说阴天要拍得像晴天，晴天又要拍得像夜晚，逆光要拍得如顺光，等等，这使得我必须从技术上运用不同的手法来进行处理，以便甲方接受。

珠海歌剧院。歌剧院被称为“日月贝”，在清晨阳光照射下分外壮丽。

中国海洋博物馆。落日的金光照在建筑上，显示华丽的色彩。

范孜恒：您是如何为自己制定拍摄计划的？拍摄完成后，又是如何编辑照片的？

林铭述：过去拍商业定制照片时，我几乎没有更多的选择，甲方怎么制定拍摄要求，我就怎么去拍，所以那个时候拍摄的建筑是零散的，虽然偶尔也会有好作品，但是大量的建筑设计十分雷同。

2016年后，我进入了中艺文旅摄影学校，开始有计划地拍摄建筑影像。我先后在学校开设了“四全拍摄法”“音乐影像学”等课程，并逐步形成一套拍摄计划。目前，我正在有计划地进行古建筑和现代建筑的拍摄，如在故宫建成600年的历史节点上，我曾十几次前往故宫拍摄，形成了“金紫银青”系列。近期，我又拍摄了北京中轴线的申遗建筑系列。而在现代建筑方面，我以拍摄“城市文化地标”为主，同时进行了专题式创作，如有针对性地拍摄安藤忠雄建筑和扎哈·哈迪德的建筑作品，这些计划使得整个拍摄更能深入建设本身。另外，拍摄音乐厅和大剧院也是我一直以来的重点项目。这特别得到雅昌艺术文化中心的策划和指导，雅昌推出的“艺术画册”项目不仅能得到高质量印刷色彩作品，更重要的是为你的拍摄制定了有序的目标和计划。

陆家嘴名邸楼群。几何图形组成的光影构图。

深圳市中心夜景。“只是近黄昏”，玻璃墙面最后的余晖。

千禧镜像。点线面在玻璃墙面上的镜影，犹如旋律和节奏构成的乐谱。

丽泽SOHO。点点滴滴的蜘蛛人犹如音符在流动。

范孜恒：AI（人工智能）技术已是炙手可热，您认为这将会对我们今后的创作产生什么影响？作为摄影人，您如何应对？

林铭述：AI技术为摄影人提出了一个新的挑战，我们一方面要努力学习AI技术，另一方面也要尽可能地从大数据产生的图片中寻求突破，形成具有个性化、有辨识度的作品。现在AI技术使人人都能成为“摄影家”，更加降低了摄影的门槛，但也增加了摄影创作的难度。在我看来，AI技术依旧处在一个从不成熟到成熟的发展阶段，我们在利用AI技术时，难度在于如何精确地使用关键词进行定位，以及如何在使用AI中表现人的情感和灵魂，并借助AI技术不断地表现出作品个性化的艺术特征和作品无限的生命力。

我就知道你“在看”